martes, 27 de septiembre de 2011

MIS INICIOS EN EL ARTE EXPANDIDO

El ARTE en un lenguaje SOSTENIBLE, busca configurar la mente cultural de la sociedad en cuanto al futuro de un mayor bienestar, por medio de una transición emocional, moral y estética sobre el significado de la naturaleza y la relación con el ser humano. El arte sostenible implanta un comportamiento de mundos alternativos en pro del medioambiente, por medio de nuevas lecturas reflexivas sobre las preocupaciones entre sociedad y ecología, o como se le dice actualmente ecología humana comprometiendo el arte no sólo como un medio de expresión  y comunicación, sino también como una responsabilidad ética del artista con el desarrollo sostenible.                                                                                                               

Mi trabajo se acopla a muchos artistas no solo por el manejo del material sino por los temas ambientales, sociológicos, culturales dentro de diversas técnicas plásticas y teorías filosóficas.
Mi artista favorito es Marcel Duchamp, ya que el le dio valor en el arte al "objeto encontrado", le da un valor cualitativo al objeto prefabricado, dentro otros por seguir el concepto a forma es Picasso con el colla-ge, alterando la forma de los materiales y/objetos encontrados sin perder la esencia del mismo; en cuanto a Sigmund Freud me agrada la teoría que da sobre la mente, la conducta humana y terapéutica para ayudar a personas con afecciones psíquicas.
dentro del ambito artistico más actual me acomodo a: Spencer Tunik, Chris Jordan, Tim Noble y Sue WebsterSayaca GanzAndy Goldsworty, Christo y Jeanne Claude, y dentro de la técnica me llama la atencion: David Mach, Jason Mercier, Tom Deininger, Kitty Walles, Gugger petter, Jong Ho ji.

Registro fotográfico de mis trabajos.








ambos trabajos están realizados con material reciclado.

ESCULTURA EXPANDIDA DESDE EL CONCEPTO DEL ARTE SOSTENIBLE (arte ambiental, arte ecológico, o arte verde)

Arte ambiental tomado de wikipedia 
Arte ambiental (Environmental art, en inglés) o arte ecológico es una expresión que se usa en dos sentidos diferentes.
El término puede usarse de forma genérica en referencia a un arte que trata de temas ecológicos o el medio ambiente natural, mediante distintas estrategias:
  • suscitando la conciencia de la fragilidad de la naturaleza (lo que incluye fotografía basada en el paisaje, pintura, dibujos, libros-obras y arte propio de un lugar)
  • investigando fenómenos naturales (incluye ilustración científica así como prácticas artísticas interdisciplinares)
  • usando materiales naturales reunidos en el exterior (como ramillas, hojas, piedras, suelo, plumas; lo que a menudo es llamado Arte de la naturaleza)
  • no contribuyendo a la degradación medioambiental (lo que incluye obras «verdes» realizadas con materiales biodegradables o reciclados; la «Eco escultura», que está sensiblemente integrada en un hábitat natural)
El término también se usa de forma más específica para referirse a una obra de arte de grandes dimensiones que utiliza el entorno natural; habitualmente con respeto al medio ambiente (es decir, cumpliendo las condiciones que permiten considerarla medioambiental en un sentido genérico), pero que también puede relacionarse con otros aspectos del medio ambiente, tales como el contexto formal, político, histórico o social.




Arte ambiental y "Land Art"

Es posible seguir el crecimiento del arte ambiental como movimiento artístico, comenzando a finales de los años 1960 o en los setenta. En sus primeras fases se relacionó sobre todo con la escultura - especialmente con el «arte para un lugar específico» (Specific-site art), el Land Art y el Arte povera - habiendo crecido como una forma de crítica hacia las formas escultóricas y prácticas tradicionales que eran vistas de forma progresiva como desfasadas y potencialmente en desacuerdo con el medio ambiente natural. La categoría, actualmente, abarca muchos medios artísticos.
El Arte ambiental también crea consciencia de la importancia de reciclar materiales.
Al identificar el arte ambiental debe diferenciarse claramente entre artistas que dañan el medio ambiente de aquellos otros que pretenden no causar daño a la naturaleza, en realidad, su obra podría involucrar restaurar el paisaje inmediato para volverlo a un estado natural.

Entre los artistas de esta tendencia encontramos: 



Christo y Jeanne-Claude informacion tomada de: http://en.wikipedia.org/wiki/Christo_and_Jeanne-Claude


Christo (n. GabrovoBulgaria13 de junio de 1935) y Jeanne-Claude (CasablancaMarruecos, 13 de junio de 1935 - Nueva YorkEstados Unidos18 de noviembre de 2009)1 eran un matrimonio de artistas que realizaban instalaciones artísticas ambientales, similares al Land Art 













Aunque su trabajo es visualmente impresionante y, a menudo controvertidas , como resultado de su escala, los artistas han negado en repetidas ocasiones que sus proyectos tienen un significado más profundo que sus inmediatos estética de impacto. El propósito de su arte, para ellos, es simplemente para crear obras de arte o de la alegría y la belleza y la creación de nuevas formas de ver familiares paisajes . 



Andy Goldsworthy tomado de wikipedia

(nacido el 26 de julio de 1956) es un ciudadano británico escultor ,fotógrafo y ecologista producción específicos del lugar la escultura y el arte de la tierra situadas en entornos naturales y urbanos. Vive y trabaja en Escocia.


Andy es un artista que trabaja con la levedad, en sus piezas vemos el movimiento y cambios que va mostrando con el paso del tiempo, el mira todas sus creaciones como temporales, su materia son objetos comunes en la naturaleza, pero en realidad en el trasfondo trabaja con el viento, la luz, el tiempo, donde más que buscar la perfección del objeto en si, nos muestra la energía y vida que tienen cada uno de ellos.




Es sutil y para ser leve se sirve del peso mismo de las cosas y las pone a interactuar entre ellas y por supuesto el paso del tiempo en su medio natural. Une las hojas con espinas, o las pega con su propia saliva, o como en el caso de las flores, las pone a remojar y una vez que están lo suficientemente reblandecidas cubre una roca en medio de un río, o el hielo del cual aprovecha las primeras capas que se forman en un estanque o río, para crear con esas laminas un arco o una esfera traslucida, pero en el proceso esta contemplando también su reintegración al entorno en donde fueron creados.








Andy no usa mas herramienta que sus manos sin embargo no le crea conflicto utilizar la tecnología para poder crear piezas de gran formato, siempre cuida que sus creaciones no alteren el espacio en donde fueron hechas, desde su visión comenta que su intervención es solo una capa mas de lo que ya esta ahí y que finalmente esta misma será cubierta por una capa nueva que la naturaleza con su intervención dejara encima de lo que el hizo.


En su trabajo más reciente elaborado para instalaciones interiores esta utilizando lodo, el cual obtiene de los lechos de los ríos cercanos a la comunidad en donde se realizara la obra, pero en el proceso clasifica el material según la profundidad de donde se obtiene, para crear con el, capas superpuestas o contornos, obteniendo con este proceso distintos tiempos de secado lo cual permite se fracture la pieza mostrando el contorno mucho más definido que cuando fue aplicado, logrando con esto su propósito que es el manejo de la línea, movimiento y forma. De la misma manera en su registro fotográfico de piezas hechas en el exterior consigna el paso del tiempo o del agua, y como su obra se reintegra al paisaje, dejando su presencia en el sitio. 





















Encuentro en su quehacer la poesía de lo diminuto, del instante, de eso que Kundera quiso escribir en su “Insoportable levedad”, donde todo lo que elegimos y apreciamos por ser leve no tarda en revelar su propio peso insostenible con el tiempo, quizá solo la movilidad y cambio escapen de esta condena. O como en el mito de Perseo -ese que llevaba los pies calzados con alas-, pongamos la cabeza cortada de medusa en ramitas nacidas bajo el agua para protegerla y encontrar que estas ramitas marinas, se convierten en corales de maravillosos colores al contacto con la cabeza de medusa, con los cuales se adornen las ninfas de alguno de nuestros imaginarios y levísimos bosques.http://www.elcalamo.com/andy.html


Michael Johansson tomado de: 

http://ikstudio.wordpress.com/2011/05/24/michael-johansson/
Es un artista sueco que se dedica a recolectar todo tipo de objetos para después construir esculturas formadas con los mismos. Las agrupa por gamas de colores y/o estilos, y aparentan estar aplastadas una con otra, sin embargo todas están yuxtapuestas de una manera extremadamente hábil  para unidas formar una pieza mas grande o bien rellenar un espacio a la perfección.
Sus obras por un lado me parecen un estudio sobre el espacio y que al mismo tiempo nos invitan a meditar sobre los objetos utilizados, tanto en conjunto con otros como individualmente.









Spencer Tunick tomado de wikipedia




Tunick nació en los Estados Unidos en Middletown en el condado de Orange de Nueva York en el seno de una familia judía. En 1986, viajó a Londres donde tomó fotografías de desnudos en un paradero de autobuses a los montones de desnudos en Alleyn's School en el salón inferior en Dulwich, en el Municipio de Southwark. Posteriormente obtuvo un Bachelor of Arts de parte del Emerson College en 1988.


Características de su arte

Es muy conocido por sus fotografías de grandes masas de personas desnudas dispuestas en artísticas formaciones a menudo situadas en localizaciones urbanas y conocidas como Instalaciones. Surgen de estas imágenes una serie de tensiones entre los conceptos de lo público y lo privado, lo tolerado y lo prohibido o lo individual y lo colectivo.





Expansión de su obra


Instalaciones de Spencer Tunick en Ámsterdam.
Tunick comenzó en el año 1992 fotografiando personas desnudas por las calles de Nueva York. Sus fotos rápidamente se hicieron populares y decidió ampliar su trabajo por otros estados de Norteamérica, en su proyecto denominado Naked States (Estados desnudos). Más tarde hizo una gira internacional, a la que denominó Nude Adrift (Desnudo a la Deriva) tomando fotografías por ciudades como:Brujas, Londres, Lyon, Melbourne, Montreal, Caracas, Santiago,1 México, São Paulo, Newcastle o Viena.
Fue arrestado en 1994 con una modelo femenina cuando ella posaba desnuda en el Centro Rockefeller de Manhattan (Nueva York)[cita requerida]. En junio de 2003, llegó a fotografiar a 7000 personas desnudas en Barcelona.2 En mayo de 2007, en la Ciudad de México rompió su propio récord logrando juntar en la Plaza de la Constitución (Zócalo) de esta ciudad a cerca de 19.000 participantes que se desnudaron sin prejuicios.3 Sus modelos son voluntarios que únicamente reciben una foto firmada por su colaboración[cita requerida].





Polémica

En muchos de los lugares donde Tunick ha realizado su proyecto artístico ha surgido un debate sobre si estas instalaciones son realmente un arte o no. Diversos grupos califican estos actos como meras manifestaciones sociales, en apoyo a la libertad de expresión[cita requerida]. En Chile, por ejemplo, el debate en torno al trabajo del fotógrafo duró casi 4 meses[cita requerida].







Diana Gamboa
Diseñadora de modas, origami


Tomado de la Revista Fucsia No.89, diciembre de 2007














Las mil caras del papel

Aprendió el arte de doblar el papel, sinónimo de la técnica japonesa del origami, viendo a su papá, quien a su vez lo aprendió de japoneses que llegaron al Valle del Cauca hace unos 75 años. Gonzalo Gamboa, quien ha cultivado este aprendizaje a tal punto que es hoy uno de los diez mejores origamistas del mundo, se sorprendió cuando Diana le dijo, hace unos años, que iba a vestir a una modelo con un traje de papel: "Los vestidos nacieron porque Marea de Casas convocó a algunos artistas a un proyecto, y le hice un vestido que fue exhibido por una modelo, compuesto por estrellas de 30 fichas ensambladas cada una, con una larga cola".
Las proporciones del trabajo de Diana son impensables: más de cinco mil piezas dobladas forman la gran cola de un vestido, y mil metros de papel doblados mil veces se invierten en un traje que nunca va pegado con goma, sino únicamente ensamblado.
Las figuras que Diana lleva formando desde hace 18 años son diseño puro. Y es que ella nació inclinada hacia el arte, le viene de familia. Su mamá, Diana Murra, de origen árabe, solía viajar con baúles en los que guardaba de todo. Esculcándolos, Diana encontró un tesoro a sus ojos de niña: retazos de paño lenci y de otros materiales con los que se puso a hacer muñecas.
Así, doblar la página de una afición a otra le fue naciendo, a medida que se le ocurrían nuevas posibilidades de aplicación de su oficio: "Los vestidos de origami son geometría, matemática pura. A través del origami encontré mi disciplina, y diría que la mayor virtud de hacer lo que hago es que le pongo mucho amor".
Así es, sin duda, porque Diana Gamboa irradia alegría, la misma que le produce tener una relación inmejorable con el actor y escultor Luis Fernando Bohórquez, con quien tiene tres hijos que son como los lados de un poliedro que se va configurando: Oliver, de 3 años, llona, de 2, y Fiorella, de 9 meses: "Con Luis Fernando Ilevamos diez años juntos y es como si tuviéramos apenas tres meses de casados. Nuestro lenguaje común proviene de una gran compenetración, mis niños son bebés felices, yo siento a Fiorella en mis piernas mientras doblo el papel y mis otros niños dibujan al lado mío. Aunque me encanta Bjúrk, nunca oigo música mientras trabajo'.
Después de trabajos tan interesantes como los vestidos de papel exhibidos durante en el lanzamiento de Papeles Finos Kimberly, el año pasado, y de la exhibición de muñecas que acaba de hacer en la Casa de la Cultura del Valle del Cauca, Diana sigue en su taller, dentro de su casa, cultivando un arte que "se presta para abrir el corazón, el origami es un ejercicio del que siempre surgen nuevas historias".





domingo, 4 de septiembre de 2011

ARTISTAS QUE INICIARON LA ESCULTURA EXPANDIDA

Nam June Paik (julio 20, 1932 hasta 1/ 29, 2006) tomado de: página oficial de Nam June Paik, wikipedia
Fue un artista estadounidense de origen coreano. Ha trabajado con una variedad de medios de comunicación y es considerada como el primer artista de vídeo . [1]
Paik se le atribuye un uso temprano (1974) del término "supercarretera" en su aplicación a las telecomunicaciones.



Megatron / Matrix * (1995) Ocho de instalación de equipo de canal de vídeo impulsadas con 215 monitores, color, sonido. Megatron: 126x270x24 mm. Matrix: 128x128x24


Nam June Paik luego empezó a participar en el Neo-Dada movimiento artístico conocido como Fluxus , que fue inspirado por el compositor John Cage y su uso de sonidos y ruidos cotidianos en su música. Él hizo su gran debut en una exposición denominada Exposición de la Música-Electronic Television, en el que se dispersa por todas partes y televisores utilizan imanes para alterar o distorsionar las imágenes.
En 1964, Paik se trasladó a Nueva York , y comenzó a trabajar con el clásico violonchelista Charlotte Moorman , al combinar su vídeo , música y performance. En la TV Cello de trabajo, el par apilado televisores en la parte superior entre sí, de modo que forman la forma de un verdadero cello . Cuando Moorman sacó su arco sobre el "cello", imágenes de ella y de otros chelistas juego apareció en las            pantallas.
En 1965, Sony introdujo el Portapak (aunque se dice que Paik había uno similar antes de que Sony lanzó el suyo). Con esto, Paik ambos podrían moverse y, cosas, porque fue el primer video portátil y grabador de audio. A partir de ahí, Paik se convirtió en una celebridad internacional, conocido por su trabajo creativo y entretenido. 
En un famoso incidente de 1967, Moorman fue arrestado por hacer topless mientras actuaba en la Ópera de PaikSextronique. Dos años más tarde, en 1969, se realizaron Bra TV de Escultura viviente, en el que Moorman llevaba un sujetador con pequeñas pantallas de televisión sobre sus pechos. A lo largo de este período que su meta era llevar la música a la velocidad con el arte y la literatura, y hacer del sexo un tema aceptable. Una de sus obras el artista Fluxus instruye a subir dentro de la vagina de una ballena de esperma de vida. 
En 1971, hizo un cello de cada tres de televisión conjuntos apilados uno encima del otro y algunas cadenas de violonchelo.Consiguió un famoso violonchelista a jugar el "cello" también. 
En 1974, Nam June Paik utilizó el término "supercarretera" de aplicación a las telecomunicaciones, lo que dio lugar a la opinión de que puede haber sido el autor de la "frase superautopista de la información ".De hecho, en su propuesta de 1974 "los medios de comunicación La planificación de la sociedad postindustrial - El siglo 21 es ahora tan sólo 26 años de distancia "de la Fundación Rockefeller, se utilizó una frase un poco diferente, "súper carretera electrónica":
"La construcción de nuevas autopistas electrónicas se convertirá en una empresa aún más enorme. Asumiendo que conecta Nueva York con Los Angeles a través de una red de comunicación electrónica que opera en rangos de transmisión fuerte, así como con satélites continental, guías de ondas, cable coaxial incluido , y más tarde también a través de rayo láser de fibra óptica: el gasto sería de alrededor de los mismos que para un aterrizaje en la Luna ., salvo que los beneficios en términos de sub-productos sería mayor "
Muchas de las primeras obras de Paik y escritos se recogen en un volumen editado por Judson Rosebush titulado Nam June Paik: Videology 'n' Videa 1959-1973,publicado por el Museo de Arte Everson, Syracuse, Nueva York, en 1974.
En otro trabajo, algo del Pacífico (1986), una estatua de un Buda sentado frente a su imagen en un circuito cerrado de televisión. (La pieza forma parte de la colección de Stuart de arte público en la Universidad de California en San Diego .) Otra pieza, huevo positivo, muestra una clara de huevo sobre un fondo negro. En una serie de monitores de video, aumentando de tamaño, la imagen en la pantalla se vuelve más y más, hasta que el propio huevo se convierte en una forma abstracta, irreconocible. En el pescado de vídeo, a partir de 1975, una serie de acuarios dispuestos en una línea horizontal contienen los peces que nadan en vivo frente a un número igual de los monitores que muestran imágenes de vídeo de otros peces.
1995 Paik autopista de piezas electrónicas: Continental de EE.UU., Alaska, Hawaii, en exhibición permanente en la Galería Lincoln del Smithsonian American Art Museum, es un impresionante ejemplo de su crítica cultural. Con esta pieza, Paik ofrece su comentario acerca de una cultura estadounidense obsesionado con la televisión, la imagen en movimiento y brillantes las cosas brillantes.
Supercarretera electrónica: EE.UU. continental, Alaska, Hawaii 1995-1996. Se exhibe en el Smithsonian American Art Museum
Paik era conocido por hacer que los robots de aparatos de televisión. Éstos fueron construidos con trozos de alambre y metal, pero más tarde Paik piezas usadas de aparatos de radio y televisión. Una retrospectiva de la obra de Paik se celebró en el Museo Whitney de Arte Americano en la primavera de 1982. Durante la celebración del Día de Año Nuevo el 1 de enero de 1984, que salió al aire Buenos días, Mr. Orwell , un vínculo directo entre WNET New York, Centre Pompidou de París, y Corea del Sur. Con la participación de John Cage , Salvador Dalí , Laurie Anderson , Joseph Beuys , Merce Cunningham , Allen Ginsberg y Peter Orlovsky , George Plimpton , y otros artistas, Paik mostró queGeorge Orwell 's Big Brother no había llegado. En 1986, Paik creó la obra Bye Bye Kipling, una cinta que mezcla los eventos en directo desde Seúl, Corea del Sur, Tokio, Japón, y Nueva York, EE.UU.. Dos años más tarde, en 1988, mostró además su amor por su casa con una pieza llamada Cuanto más, mejor, una torre gigante hecha de 1.003 monitores para los Juegos Olímpicos que se celebra en Seúl.
Entre 1979 y 1996 Paik fue profesor en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf .

Una retrospectiva de su obra final, se celebró en 2000 en el Museo Guggenheim en Nueva York , integrando el único espacio del museo en la exposición en sí.  Esto coincidió con una galería del centro muestra de obras de arte de vídeo de su esposa Shigeko Kubota , principalmente tratar con su recuperación de un derrame cerebral que había en 1996.

Cuanto más, mejor, (1988) Tres instalación de canales de vídeo con 1.003 monitores y la estructura de acero, color, sonido, aprox. 60 pies de altura.

-http://www.paikstudios.com/   
-http://en.wikipedia.org/wiki/Nam_June_Paik





WOLF VOSTELL    (Leverkusen, 1932-Berlín 1998) (informacion tomada de Tabula Rasa, julio de 2000.



Se le destaca como creador del "happening", como pionero del video arte, miembro de Fluxus, escultor o pintor. Poco se dice de su vinculación con la música. A Vostell, al artista intermedia Vostell, le repugnaba sin embargo el término "arte sonoro" y -pude constatarlo en alguna discusión con él a propósito de ese tema- consideraba que lo que había hecho era "música". Sin duda, eso es cierto en su caso, pues empleaba los sonidos -incluso los no producidos por instrumentos musicales- con criterios e intencionalidad musicales, y en eso cabe incluir los sonidos de los tres reactores militares de su famoso happening en Ulm, o el sonido cambiante, por grupos orquestales, diríamos, de los aparatos de suFluxus-Sinfonia de los 40 aspiradores.
Tres nociones han sido esenciales en el trabajo musical de Vostell: la schwebung, elhappening y el dé-coll/age.


Su obra recibió influencias como puedan ser la estética del fragmento, los ruidos de los futuristas, la veladas dadas del Cabaret Voltaire de Zurich, pasando por la estética del desecho de Schwitters, el surrealismo de André Breton, o los objetos comunes extraídos de su contexto y convertidos en símbolos de Marcel Duchamp.
Temas como la violencia, el consumismo, el racismo o las catástrofes -accidentes de avión y coche sobretodo- influyeron en la creación de sus obras y en la técnica del decollage y el fotomontaje. 



La técnica del de-coll/age consistía en despegar objetos de us sitio, ya sean carteles o objetos de desecho, con el fin de conformar una pieza con un significado propio. Tras terminar la exposición, invitaba a la gente a que destrozaran, deterioran y rasgaran todos los carteles y obras, con el único fin de grabar los sonidos que se producían.






En su obra fue pionero de manifestaciones artísticas como elhappening, fluxus o vídeo art. Elhappening el mismo lo definía como una "acción humana artística" llena de libertad y desinhibición. En este aspecto hay que destacar el happening desastre de Berlín (1972), que mostraba dentro de un vagón de tren a una mujer desnuda con una cuña de hormigón tapando su sexo. Esta obra la denominó "Bloqueo vaginal".
Al igual que el letón Miciunas y que Paik, Vostell realizaba lo que él llamaba las acciones fluxus, que eran obras realizadas con ruido y música ante un público espectador, en donde el límite entre arte, literatura y teatro desaparece rechazando así la diferencia entre vida y aire. No era un arte estático sino accionista como por ejemplo hacer ruido a base de frotamiento,   romper bombillas con micrófonos de contacto puestos, o someter a un público impasible a 12 minutos debajo de los reactores de un avión generando ruido. Fluxus era una actitud muy radical.
Otra técnica de este grandioso artista fue el betonnage, o lo que es lo mismo, el aprisionamiento de objetos con hormigón. Empezó en 1969 cubriendo un libro, continuó en las calles de Colonia cubriendo un coche con hormigón delante de una galería de arte y denominando a su conjunto "Circulación Bloqueada".



Lo que Vostell intentaba visualizar con sus propuestas, era la destrucción como forma de dominio absoluto, dándole un mensaje crítico y subliminal de la imperfección humana. También proponía con toda intención el aspecto negativo para orientar la conciencia de lo demás a lo positivo.

http://www.ccapitalia.net/reso/articulos/vostell/vostell.htm



Steina y Woody Vasulka

tomado de:  Wikipedia,- y la pagina: 


Steina Vasulka (nacido Steinunn Briem Bjarnadóttir en 1940)  y Woody Vasulka (nacido en 1937) 
son pioneros del video arte , de haber practicado en el género desde sus inicios a finales de 1960. 






han contribuido a la evolución del videoarte. Las investigaciones de la Vasulka "en los procesos analógicos y digitales y su desarrollo de herramientas de imagen electrónica, que comenzó en la década de 1970, los colocan entre los principales arquitectos de un vocabulario expresivo de la imagen electrónica de decisiones. Que trazar la evolución de la formulación de una sintaxis de la imagen electrónica, ya que articular un diálogo entre el artista y procesual de tecnología.






Steina y Woody Vasulka crean vídeos instrumentales tal y como otros componen su música.  Más que artistas de vídeo, los Vasulkas han sido exploradores de los media electrónicos - primero análogo (a partir de 1971 al 1978 aproximadamente) luego digital - por más de tres décadas.  Steina, el "músico," esta interesado en la visión de las máquinas y en la percepción del paisaje, desarrollando su propio sintaxis al corregir, y los procesos de imagen y del sonido. Woody, el "cineasta," estudia las posibilidades de generar las formas, visuales y aquellas basadas en sonido, y trabaja para desarrollar una  síntesis electrónica que se aleje de la cámara fotográfica.  




los años ochenta también celebraron una suerte de “resurrección” de las ideas de aquellos pioneros del video arte que, desde los años sesenta, venían desplegando una importante labor en esa zona de intersección entre la investigación, la industria y el arte del video. Surgieron interesantes personalidades, como la pareja norteamericana de artistas John Sanborn y Mary Perillo, quienes trabajaban tanto en video como en la televisión, o como la artista de performances Laurie Anderson, cuya trayectoria se inscribía al unísono en la industria de los medios y en la institución artística.
Si la etapa anterior privilegió muy especialmente la video instalación y el video performance , en los cuales se verificó fundamentalmente una vertiente de trabajo más conceptual, introspectiva y autoreferencial, enfocada hacia las problemáticas existenciales, el video arte de los años ochenta vuelve a cobrar fuerza como vehículo de activismo y denuncia social, como lo ilustra el trabajo de esta artista. Escultora e historiadora del arte, Laurie Anderson (violinista de formación) se había dado a conocer en los años setenta por sus performances sonoros minimalistas y a finales de esa década se consagró realizando performances musicales multimedia en los que reunía elementos instrumentales y vocales, textos e imágenes en acciones que derivaron en verdaderas representaciones operísticas concebidas para la cámara de video.
Durante el último decenio del siglo XX, el video arte ya está plenamente asentado y reconocido como una forma artística legítima y autónoma. Obras tridimensionales (video esculturas y video instalaciones) elaboradas con cámaras, monitores y otros equipos, video cintas que propician hallazgos visuales y búsquedas formales inéditas y, más recientemente, proyectos multimedia que combinan el uso del video con sistemas computacionales, imponen su presencia y valía en todos los circuitos institucionales.




Keith Sonnier informacion tomada de Wikipedia-http://artclub1563.com/wp/?page_id=646&lang=en

Keith Sonnier (nacido en 1941 , Mamou, Louisiana ) es un Postminimalist , el rendimiento , video y luz artista . 
Sonnier fue uno de los primeros artistas en utilizar la luz en la escultura en la década de 1960, 
y ha sido uno de los más exitosos con esta técnica. Sonnier fue parte del proceso de Arte del Movimiento.









Sonnier es el primer artista que comenzó a utilizar el material de neón de las obras de escultura en 1970. 








Bruce Nauman informacion toamada de:Sperone Westwater Gallery, New York  |  Donald Young Gallery, Chicago Bruce Nauman on the Art21 blog

Bruce Nauman (nacido el 6 de diciembre de 1941, en Fort WayneIndianaEE. UU.
es un artista estadounidense. Su obra abarca una gran variedad de medios,como:
la escultura, fotografía, neón, video, dibujo y performance.

Nauman estudió matemáticas y física en la Universidad de Wisconsin-Madison y arte en laUniversidad de California, Davis. En los años 1980 se trasladó a Nuevo México. Gran parte de su trabajo se caracteriza por un interés en el lenguaje y en la capacidad ambivalente de éste. En 1990recibió el Premio Max Beckmann. En 2004 expuso su obra Raw Materials en Tate Modern,Londres.Ocupa el tercer puesto de los artistas más cotizados segun Artfacts












en el arte se convirtió más en una actividad y menos de un producto. "Trabajo en los medios diversos de la escultura, video, cine, grabado, performance e instalación, Nauman se concentra menos en el desarrollo de un estilo característico y más en el camino en el que un proceso o actividad puede transformar o convertirse en una obra de arte. Un estudio de su producción diversa muestra los métodos políticos alternativamente, prosaico, espiritual, y de gusto por la cual Nauman examina la vida en todos sus detalles sangrientos, la cartografía del arco humanos entre la vida y la muerte. El texto de una obra temprana de neón proclama: ". El verdadero artista ayuda al mundo revelando verdades místicas" Estemos o no, o incluso Nauman, de acuerdo con esta declaración, el trasfondo subyacente de la obra hace hincapié en la forma en que el público, artista, y la cultura en general participan en la resonancia de una obra de arte en última instancia, va a tener. 






Instalación artística tomado de. wikipedia

Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970. Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de las galerías de arte.
Muchos encuentran los orígenes de este movimiento en artistas como Marcel Duchamp y el uso de objetos cotidianos resignificados como obra artística, más que la apreciación de la escultura tradicional que se basa en el trabajo artístico. La intención del artista es primordial en cada instalación, debido a su conexión con el arte conceptual de la década de 1960, lo que nuevamente es una separación de la escultura tradicional que tiene su principal interés en la forma.
Puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de comunicación, tales como video, sonido, computadoras e internet, o inclusive energía pura como el plasma.
Algunas instalaciones son sitios específicos de arte; ellas sólo pueden existir en el espacio para el cual son creadas.

Video instalación tomado de: pagina de videoartes
http://www.videoartes.com/videoartes/Video_instalacion.html

Las vídeo instalaciones consisten en la relación que se establece entre el carácter bidimensional de la imagen electrónica contemplada y el carácter tridimensional de la instalación en la que se inserta dicha imagen.

Dentro de las vídeo instalaciones se reconocen tres modalidades básicas:

  * Vídeo estructuras: se basan en la consideración de la televisión como un objeto fetiche, del cual se recupera el carácter volumétrico, habitualmente anulado por la presión de la imagen bidimensional presente en la pantalla.

  * Instalaciones multicanal: son variaciones de la vídeo estructura en los que la unidad de la imagen televisiva se descompone en múltiples imágenes coincidentes o no.

  * Circuito cerrado de televisión: frecuentemente, en las instalaciones no se utiliza el mecanismo de grabación del video, sino que la señal de vídeo pasa directamente al monitor. En estos circuitos cerrados de televisión, el espectador está obligado a encontrarse con su propia imagen, desdoblándose en un doble papel: el de espectador y el de actor. De este modo, se puede estudiar la reacción de la gente ante este fenómeno. La exploración de estas reacciones es lo que interesa al videoartista.

Intervención como acción artística original y diferenciada sobre un espacio tomado de: wikipedia
Como acción artística original y diferenciada, la intervención es la que modifica alguna o varias de las propiedades de unespacio, que pasa a ser un espacio artístico por el simple hecho de que un artista decida desarrollar sobre él su actividad. Su condición de obra de arte no es evidente en un sentido material, puesto que la mayor parte de las veces estas intervenciones son por su propia naturaleza arte efímero, no destinado a perdurar, sino a desmontarse pasado un breve tiempo, y sus restos materiales no tienen la condición de obras de arte, sino de material de desecho. Paradójicamente, ese destino efímero lo comparten algunas obras de arte contemporáneo destinadas a perdurar, al menos en la voluntad de su creador, cuyo peculiar aspecto ha producido accidentes, al ser tomadas por alguien como simple basura o material de reciclaje, condiciones con las que no tienen ninguna diferencia material. Muy habitualmente no hay consenso social sobre la condición artística de una intervención, especialmente cuando se hace de forma espontánea o no se somete a permisos o regulaciones oficiales, con lo que puede ser considerada vandalismo o gamberrismo al no haber ninguna diferencia material con esos conceptos (graffittiarte callejero).4
Las intervenciones como acción artística suelen consistir en la ocupación física de parte del espacio público por objetos dispuestos en un determinado lugar por un artista, el uso de una determinada parte de un museo para un fin "no convencional", u otras acciones imposibles de clasificar, porque no hay más límite a la modalidad de una intervención que la imaginación del artista. El término "intervención" es un vocablo en continua evolución, y según la rama del arte, la voluntad del artista o la obra misma, adquiere significados diferentes. Actualmente es más una palabra descriptiva de una obra, que una categorización en la que puedan ubicarse claramente obras con características comunes. La polémica que suele acompañar las intervenciones es considerada por los artistas como parte del resultado artístico que buscan, como provocación, y suscitan la reflexión sobre los límites del arte mismo y su relación con las instituciones y el mercado de arte, así como con los mismos conceptos de mercadopoder y sociedad.

Videoarte
El Video arte es un movimiento artístico, surgido en Estados Unidos y Europa hacia 1963, viviendo su apogeo en los años sesenta y setenta del siglo XX, aunque aún mantiene su vigencia. Experimentó las distintas tendencias de la época, como fluxus (con el que se relaciona especialmente), el arte conceptual, lasperformances o el minimalismo.

Historia
Wolf Vostell y Nam June Paik son considerados los primeros videoartistas. Vostell, en 1959, en Colonia, montó una exposición de contenidos de la televisión que habían sido alterados evidenciando la tensa relación entre televisión y arte. Esta exposición es lo que más tarde se conocerá como vídeo-exposición. Vostell presentó en la Galería Smollin de Nueva York en el año 1963 su «TV De-Collage», que hoy forma parte de la colección del Museo Reina Sofía. Nam June Paik, músico y electrónico coreano obtuvo en 1965 la primera cámara portátil de SONY antes de su comercialización. El 4 de noviembre grabó desde un taxi las calles de Nueva York durante la visita del Papa Pablo VI con una finalidad estética para captar una realidad subjetiva, al margen de las funciones de grabación de la televisión. Este hecho esta ampliamente discutido pues Sony no fabricó su portapack hasta 1967[1] Otra obra conocida de Nam June Paik fue «Zen for TV», 1963.
Conforme van apareciendo nuevos formatos, los videoartistas los incorporan a sus obras: la infografía, la paleta gráfica, el CD-ROM, las instalaciones multimedia, etcétera.

Características
Es una de las tendencias artísticas que surgieron al hilo de la consolidación de los medios de comunicación de masas, y que pretendían explorar las aplicaciones alternativas y aplicaciones artísticas de dichos medios. Se usan medios electrónicos (analógicos o digitales) con un fin artístico. En él se utiliza información devideo o audio (no debe confundirse con la televisión o el cine experimental). Una de las diferencias entre el videoarte y el cine es que el videoarte no necesariamente cumple con las convenciones del cine, ya que puede no emplear actores o diálogos, carecer de una narrativa o guion, u otras convenciones que generalmente definen a las películas como entretenimiento.
El videoarte es una alternativa más económica a la producción tradicional en cine. Es una propuesta más enfocada a personas que rompen con los parámetros comerciales y buscan un medio más económico pero no por este motivo con menos valor que las formas tradicionales de producción. Ha incidido en la producción de cortometrajes principalmente.
Se sustenta en el formato y en la posibilidad de establecer una dinámica visual y conceptual a través de la narración filmo o fotográfica. Es eminentementeconceptual, de esta premisa emerge este estilo de relato visual o audiovisual.
El video arte defiende un lenguaje audiovisual que se conforma en la indagación de cualquier razón alternativa para sintetizar y articular códigos expresivos procedentes de diversos ámbitos del audiovisual. Sus producciones se diferencian de otras prácticas como el video clip, el video documental y el video de ficción, porque, sobre todo, intenta crear nuevas narrativas y nuevas formas de visualizar al operar con presupuestos que no se restringen a las premisas de estos géneros. De manera que se trata de una manifestación que significa una ruptura con lo convencional o “visualmente correcto”, pues se vale de parámetros espacio-temporales e interactivos completamente distintos.

Variedades
El videoarte ofrece muchas posibilidades distintas: grabación de acciones: se incluyen los trabajos de artistas que difunden sus performances pregrabadas en el momento de sus intervenciones en directo. Este tipo de acciones, la mayoría de las veces, están orientadas a la recuperación de la noción de tiempo real; investigaciones sobre el espacio-tiempo, de las que surge la idea de espacio, entendido como recorrido, y el tiempo, entendido como período; instalaciones de vídeo, videoesculturas, videoambientes o videocreación.