Arte ambiental tomado de wikipedia
Arte ambiental (Environmental art, en inglés) o arte ecológico es una expresión que se usa en dos sentidos diferentes.
El término puede usarse de forma genérica en referencia a un arte que trata de temas ecológicos o el medio ambiente natural, mediante distintas estrategias:
- suscitando la conciencia de la fragilidad de la naturaleza (lo que incluye fotografía basada en el paisaje, pintura, dibujos, libros-obras y arte propio de un lugar)
- investigando fenómenos naturales (incluye ilustración científica así como prácticas artísticas interdisciplinares)
- usando materiales naturales reunidos en el exterior (como ramillas, hojas, piedras, suelo, plumas; lo que a menudo es llamado Arte de la naturaleza)
- no contribuyendo a la degradación medioambiental (lo que incluye obras «verdes» realizadas con materiales biodegradables o reciclados; la «Eco escultura», que está sensiblemente integrada en un hábitat natural)
El término también se usa de forma más específica para referirse a una obra de arte de grandes dimensiones que utiliza el entorno natural; habitualmente con respeto al medio ambiente (es decir, cumpliendo las condiciones que permiten considerarla medioambiental en un sentido genérico), pero que también puede relacionarse con otros aspectos del medio ambiente, tales como el contexto formal, político, histórico o social.
Arte ambiental y "Land Art"
Es posible seguir el crecimiento del arte ambiental como movimiento artístico, comenzando a finales de los años 1960 o en los setenta. En sus primeras fases se relacionó sobre todo con la escultura - especialmente con el «arte para un lugar específico» (Specific-site art), el Land Art y el Arte povera - habiendo crecido como una forma de crítica hacia las formas escultóricas y prácticas tradicionales que eran vistas de forma progresiva como desfasadas y potencialmente en desacuerdo con el medio ambiente natural. La categoría, actualmente, abarca muchos medios artísticos.
El Arte ambiental también crea consciencia de la importancia de reciclar materiales.
Al identificar el arte ambiental debe diferenciarse claramente entre artistas que dañan el medio ambiente de aquellos otros que pretenden no causar daño a la naturaleza, en realidad, su obra podría involucrar restaurar el paisaje inmediato para volverlo a un estado natural.
Entre los artistas de esta tendencia encontramos:
Christo y Jeanne-Claude informacion tomada de: http://en.wikipedia.org/wiki/Christo_and_Jeanne-Claude
Aunque su trabajo es visualmente impresionante y, a menudo controvertidas , como resultado de su escala, los artistas han negado en repetidas ocasiones que sus proyectos tienen un significado más profundo que sus inmediatos estética de impacto. El propósito de su arte, para ellos, es simplemente para crear obras de arte o de la alegría y la belleza y la creación de nuevas formas de ver familiares paisajes .
Andy Goldsworthy tomado de wikipedia
(nacido el 26 de julio de 1956) es un ciudadano británico escultor ,fotógrafo y ecologista producción específicos del lugar la escultura y el arte de la tierra situadas en entornos naturales y urbanos. Vive y trabaja en Escocia.
Andy es un artista que trabaja con la levedad, en sus piezas vemos el movimiento y cambios que va mostrando con el paso del tiempo, el mira todas sus creaciones como temporales, su materia son objetos comunes en la naturaleza, pero en realidad en el trasfondo trabaja con el viento, la luz, el tiempo, donde más que buscar la perfección del objeto en si, nos muestra la energía y vida que tienen cada uno de ellos.
Es sutil y para ser leve se sirve del peso mismo de las cosas y las pone a interactuar entre ellas y por supuesto el paso del tiempo en su medio natural. Une las hojas con espinas, o las pega con su propia saliva, o como en el caso de las flores, las pone a remojar y una vez que están lo suficientemente reblandecidas cubre una roca en medio de un río, o el hielo del cual aprovecha las primeras capas que se forman en un estanque o río, para crear con esas laminas un arco o una esfera traslucida, pero en el proceso esta contemplando también su reintegración al entorno en donde fueron creados.
Andy no usa mas herramienta que sus manos sin embargo no le crea conflicto utilizar la tecnología para poder crear piezas de gran formato, siempre cuida que sus creaciones no alteren el espacio en donde fueron hechas, desde su visión comenta que su intervención es solo una capa mas de lo que ya esta ahí y que finalmente esta misma será cubierta por una capa nueva que la naturaleza con su intervención dejara encima de lo que el hizo.
En su trabajo más reciente elaborado para instalaciones interiores esta utilizando lodo, el cual obtiene de los lechos de los ríos cercanos a la comunidad en donde se realizara la obra, pero en el proceso clasifica el material según la profundidad de donde se obtiene, para crear con el, capas superpuestas o contornos, obteniendo con este proceso distintos tiempos de secado lo cual permite se fracture la pieza mostrando el contorno mucho más definido que cuando fue aplicado, logrando con esto su propósito que es el manejo de la línea, movimiento y forma. De la misma manera en su registro fotográfico de piezas hechas en el exterior consigna el paso del tiempo o del agua, y como su obra se reintegra al paisaje, dejando su presencia en el sitio.
Encuentro en su quehacer la poesía de lo diminuto, del instante, de eso que Kundera quiso escribir en su “Insoportable levedad”, donde todo lo que elegimos y apreciamos por ser leve no tarda en revelar su propio peso insostenible con el tiempo, quizá solo la movilidad y cambio escapen de esta condena. O como en el mito de Perseo -ese que llevaba los pies calzados con alas-, pongamos la cabeza cortada de medusa en ramitas nacidas bajo el agua para protegerla y encontrar que estas ramitas marinas, se convierten en corales de maravillosos colores al contacto con la cabeza de medusa, con los cuales se adornen las ninfas de alguno de nuestros imaginarios y levísimos bosques.http://www.elcalamo.com/andy.html
Michael Johansson tomado de:
http://ikstudio.wordpress.com/2011/05/24/michael-johansson/
Es un artista sueco que se dedica a recolectar todo tipo de objetos para después construir esculturas formadas con los mismos. Las agrupa por gamas de colores y/o estilos, y aparentan estar aplastadas una con otra, sin embargo todas están yuxtapuestas de una manera extremadamente hábil para unidas formar una pieza mas grande o bien rellenar un espacio a la perfección.
Sus obras por un lado me parecen un estudio sobre el espacio y que al mismo tiempo nos invitan a meditar sobre los objetos utilizados, tanto en conjunto con otros como individualmente.
Spencer Tunick tomado de wikipedia
Tunick nació en los Estados Unidos en Middletown en el condado de Orange de Nueva York en el seno de una familia judía. En 1986, viajó a Londres donde tomó fotografías de desnudos en un paradero de autobuses a los montones de desnudos en Alleyn's School en el salón inferior en Dulwich, en el Municipio de Southwark. Posteriormente obtuvo un Bachelor of Arts de parte del Emerson College en 1988.
Características de su arte
Es muy conocido por sus fotografías de grandes masas de personas desnudas dispuestas en artísticas formaciones a menudo situadas en localizaciones urbanas y conocidas como Instalaciones. Surgen de estas imágenes una serie de tensiones entre los conceptos de lo público y lo privado, lo tolerado y lo prohibido o lo individual y lo colectivo.
Expansión de su obra
Tunick comenzó en el año 1992 fotografiando personas desnudas por las calles de Nueva York. Sus fotos rápidamente se hicieron populares y decidió ampliar su trabajo por otros estados de Norteamérica, en su proyecto denominado Naked States (Estados desnudos). Más tarde hizo una gira internacional, a la que denominó Nude Adrift (Desnudo a la Deriva) tomando fotografías por ciudades como:Brujas, Londres, Lyon, Melbourne, Montreal, Caracas, Santiago,1 México, São Paulo, Newcastle o Viena.
Fue arrestado en 1994 con una modelo femenina cuando ella posaba desnuda en el Centro Rockefeller de Manhattan (Nueva York)[cita requerida]. En junio de 2003, llegó a fotografiar a 7000 personas desnudas en Barcelona.2 En mayo de 2007, en la Ciudad de México rompió su propio récord logrando juntar en la Plaza de la Constitución (Zócalo) de esta ciudad a cerca de 19.000 participantes que se desnudaron sin prejuicios.3 Sus modelos son voluntarios que únicamente reciben una foto firmada por su colaboración[cita requerida].
Polémica
En muchos de los lugares donde Tunick ha realizado su proyecto artístico ha surgido un debate sobre si estas instalaciones son realmente un arte o no. Diversos grupos califican estos actos como meras manifestaciones sociales, en apoyo a la libertad de expresión[cita requerida]. En Chile, por ejemplo, el debate en torno al trabajo del fotógrafo duró casi 4 meses[cita requerida].
Diana Gamboa
Diseñadora de modas, origami
Tomado de la Revista Fucsia No.89, diciembre de 2007
Las mil caras del papel
Aprendió el arte de doblar el papel, sinónimo de la técnica japonesa del origami, viendo a su papá, quien a su vez lo aprendió de japoneses que llegaron al Valle del Cauca hace unos 75 años. Gonzalo Gamboa, quien ha cultivado este aprendizaje a tal punto que es hoy uno de los diez mejores origamistas del mundo, se sorprendió cuando Diana le dijo, hace unos años, que iba a vestir a una modelo con un traje de papel: "Los vestidos nacieron porque Marea de Casas convocó a algunos artistas a un proyecto, y le hice un vestido que fue exhibido por una modelo, compuesto por estrellas de 30 fichas ensambladas cada una, con una larga cola".
Las proporciones del trabajo de Diana son impensables: más de cinco mil piezas dobladas forman la gran cola de un vestido, y mil metros de papel doblados mil veces se invierten en un traje que nunca va pegado con goma, sino únicamente ensamblado.
Las figuras que Diana lleva formando desde hace 18 años son diseño puro. Y es que ella nació inclinada hacia el arte, le viene de familia. Su mamá, Diana Murra, de origen árabe, solía viajar con baúles en los que guardaba de todo. Esculcándolos, Diana encontró un tesoro a sus ojos de niña: retazos de paño lenci y de otros materiales con los que se puso a hacer muñecas.
Así, doblar la página de una afición a otra le fue naciendo, a medida que se le ocurrían nuevas posibilidades de aplicación de su oficio: "Los vestidos de origami son geometría, matemática pura. A través del origami encontré mi disciplina, y diría que la mayor virtud de hacer lo que hago es que le pongo mucho amor".
Así es, sin duda, porque Diana Gamboa irradia alegría, la misma que le produce tener una relación inmejorable con el actor y escultor Luis Fernando Bohórquez, con quien tiene tres hijos que son como los lados de un poliedro que se va configurando: Oliver, de 3 años, llona, de 2, y Fiorella, de 9 meses: "Con Luis Fernando Ilevamos diez años juntos y es como si tuviéramos apenas tres meses de casados. Nuestro lenguaje común proviene de una gran compenetración, mis niños son bebés felices, yo siento a Fiorella en mis piernas mientras doblo el papel y mis otros niños dibujan al lado mío. Aunque me encanta Bjúrk, nunca oigo música mientras trabajo'.
Después de trabajos tan interesantes como los vestidos de papel exhibidos durante en el lanzamiento de Papeles Finos Kimberly, el año pasado, y de la exhibición de muñecas que acaba de hacer en la Casa de la Cultura del Valle del Cauca, Diana sigue en su taller, dentro de su casa, cultivando un arte que "se presta para abrir el corazón, el origami es un ejercicio del que siempre surgen nuevas historias".
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